„Die Musik wird nie vergehen“ — Anne-Sophie Mutter im Gespräch

Sie feiern in diesem Jahr Ihr 50-jähriges Bühnenjubiläum. Was hat Sie an Ihrer großen Karriere am meisten überrascht?
Vieles – eigentlich fast alles. Am meisten überrascht hat mich tatsächlich, dass mich Herbert von Karajan nach dem Debüt beim Lucerne Festival 1976 zum Vorspiel einlud. Und noch weniger konnte ich fassen, dass er dann schon zu Pfingsten 1977 in Salzburg mit mir konzertieren wollte. Das ist nach wie vor rätselhaft für mich.

Es gibt ein Interview, in dem Sie als 13-Jährige einem Reporter sagen, dass Sie gerne Geigerin werden möchten. Auf seine Frage, was Sie tun würden, wenn es nicht klappen sollte, antworten Sie unbekümmert: „Warum soll es denn nicht klappen?“ Hat Sie diese Zuversicht durch Ihre ganze Karriere getragen? Oder gab es auch Momente, in denen Sie selbst nicht wussten, wie es weitergeht?Als ich mit fünfeinhalb Jahren auf eigenen intensiven Wunsch begann, Geige zu spielen, hatte ich in meiner ersten Geigenstunde eine Art Déjà-vu-Erlebnis. Die Geige auf der Schulter zu spüren, war wie eine Wiederbegegnung. Von diesem Moment an wollte ich Geigerin werden. Der Satz „Warum soll es denn nicht klappen?“ hat natürlich etwas von kindlicher Unschuld, die man sich bewahren sollte. Zugleich entspricht er meiner späteren Auseinandersetzung mit dem Existenzialismus: Ich wollte mich auch aus mir selbst heraus definieren und nicht primär durch den Blick von außen. Der kann unsere inneren Prozesse und Entwicklungen ohnehin nicht wirklich beurteilen. Kraft habe ich auch aus der Philosophie der Stoiker geschöpft: mit großer Selbstkritik, aber zugleich mit der Fähigkeit, viele Dinge nicht todernst zu nehmen.

Wenn man auf Ihre große Karriere blickt, ist die Trennung zwischen Selbst- und Außenwahrnehmung vermutlich nicht immer leicht. Sie stehen seit jeher in der Öffentlichkeit, werden ständig bewertet und begleitet – mit Begeisterung, aber auch mit Kritik. Wie gelingt es Ihnen, diese Stimmen von der eigenen Wahrnehmung zu trennen?
Ich bin das Kind eines Journalisten, mein ältester Bruder ist ebenfalls Journalist. Ich habe deshalb früh gelernt, kritischen Journalismus zu schätzen und den Austausch mit den Medien zu suchen. Gleichzeitig habe ich den Mechanismus des „Tontaubenschießens“ kennengelernt: Jemand wird hochgeschossen und irgendwann wieder heruntergeholt. Das sind die Ups and Downs, die offenbar auch Leser gerne verfolgen. Ich selbst bin ein sehr privater Mensch und habe persönliche Krisen und Katastrophen stets aus dem Rampenlicht herausgehalten. Dadurch ist meine Beziehung zur Presse, glaube ich, von gegenseitigem Respekt geprägt. Konstruktive Kritik finde ich sehr wertvoll; nicht konstruktive muss man an sich abperlen lassen. Ich habe Menschen um mich, denen ich vertraue, die mich als Mensch und Musikerin kennen und mich auf meinem Weg konstruktiv begleiten.

Eine Residenz von Anne-Sophie Mutter im Musikverein wäre keine, wenn die junge Generation nicht dabei wäre. Warum ist Ihnen die Begleitung und die Förderung von jungen Künstlerinnen und Künstlern so ein wichtiges Anliegen?
Ich hatte selbst das Glück, mit Aida Stucki, der Schülerin des großen ungarischen Geigenpädagogen Carl Flesch, eine Mentorin und Förderin zu finden, die ihre Schüler ganz individuell begleitet hat. Durch Karajan habe ich früh erfahren, was persönlich zugeschnittenes Mentoring bedeuten kann. Daher rühren meine Stiftung und die Leidenschaft für die junge Musikergeneration.
Zwei ehemalige Stipendiaten, mit denen ich bis heute eng zusammenarbeite, sind mein Trio-Partner Kian Soltani und der großartige Kontrabassist Roman Patkoló, für den mittlerweile bedeutendes Repertoire geschrieben wurde – unter anderem eben auch „Ringtone Variations“, die wir im Musikverein gemeinsam spielen werden. Stücke wie dieses sind wichtige Erweiterungen des Repertoires – nicht nur für uns, sondern auch fürs Publikum, weil es ja unerlässlich ist, dem Zuhörer immer wieder neue Perspektiven zu eröffnen neben dem gewohnten Geliebten.

“Kunst war immer gerade in Zeiten politischer Krisen etwas, das der Mensch dringend gebraucht hat — nicht nur als Krafquelle, sondern auch als gemeinsames Erlebnis.”

Die Namen Kian Soltani und Roman Patkoló sind bereits gefallen. Noch nicht genannt wurde Beatrice Rana, eine unserer Fokus-Künstlerinnen in der Saison 2023/24, mit der Sie ebenfalls bei uns auftreten werden.
Mit Beatrice Rana eröffnet sich für mich eine wunderbare neue Konstellation. Neben meiner exklusiven musikalischen Duopartnerschaft mit Lambert Orkis, die 2028 leider zu Ende gehen wird, bin ich immer wieder interessiert an neuen musikalischen Begegnungen. Mit Beatrice Rana hoffe ich, gerade bei Mendelssohn, eine Mitstreiterin zu haben, die mit ihrem wunderbar sensiblen Anschlag und ihrer sprühenden Virtuosität dieses Repertoire bereichern wird. Ich denke, dass daraus eine langfristige Partnerschaft erwachsen kann.

Sie fördern nicht nur junge Künstlerinnen und Künstler, sondern ganz wesentlich auch die zeitgenössische Musik. Im Musikverein werden Sie Pendereckis „Metamorphosen“, sein zweites Violinkonzert, mit den Wiener Philharmonikern unter Lorenzo Viotti spielen. Was bedeutet Ihnen dieses Stück, das für Sie geschrieben wurde?
Es stammt aus einer für mich sehr schwierigen Zeit. Ich bekam die Partitur 1994, als mein Mann bereits an Lungenkrebs erkrankt war. Sie hat mich durch diese schwere Phase bis kurz vor seinem Tod begleitet. Diese „Metamorphosen“ haben für mich deshalb auch eine große autobiographische Bedeutung. Es ist ein wunderbares, architektonisch großartiges Werk, philosophisch, aber auch mit sarkastischem Witz, das sich in großer Orchestration ereignet. Für mich war es in dieser Rückschau wichtig, einen der bedeutendsten Komponisten der vergangenen hundert Jahre zu ehren, der ungewöhnlich viel für mich geschrieben hat: Penderecki war ein Meilenstein in meiner Entdeckung der zeitgenössischen Musik.

Sie machen kein Hehl daraus, dass Ihnen der Goldene Saal, in dem Sie seit 1978 auftreten, viel bedeutet. Was meinen Sie genau, wenn Sie sagen, dass der Goldene Saal Möglichkeiten bietet, die andere Säle nicht bieten?
Für ein Streichinstrument ist es wichtig, einen Resonanzraum zu haben, der den Klang zurückgibt, der Feedback ermöglicht und eine strahlende Kuppel über den Klang legt, ohne dass schnelle Passagen an Präzision verlieren. Ich glaube, es ist dieser runde, atmende Klang, der es ebenso ermöglicht, sehr leise, private Dinge in der Musik zu sagen. Aber den Saal kann man natürlich nicht vom Publikum trennen: Man braucht ein Publikum, das die Stille schafft, in der man flüstern möchte und kann. Für mich ist es diese perfekte Kombination aus dem atmosphärischen Raumklang, der der Geige Atem gibt und sowohl das ganz Private als auch das strahlend Kraftvolle trägt, und einem Publikum, das mit großer Hingabe lauscht.
Der Goldene Saal ist für mich der Idealzustand. Ich spiele hier mit meiner Stradivari gewissermaßen in einer Stradivari. Dieser Saal eröffnet unendliche Möglichkeiten, kann einen angesichts seiner Geschichte aber natürlich auch überwältigen. Einer meiner größten Momente war das Debüt von John Williams mit den Wiener Philharmonikern 2020. Ich werde nie vergessen, mit welcher fast kindlichen Freude die Musiker für ihn gespielt haben. Es war ein Fest für die Musik und einer der absoluten Höhepunkte meines Lebens.

Sprechen wir noch einmal über zeitgenössische Musik. Sie arbeiten in Ihrer Konzertreihe bei uns im Musikverein mit der gebürtigen Iranerin Aftab Darvishi zusammen. Warum haben Sie sie in die Programme mit einbezogen?
Die Proteste im Iran im Herbst 2022, ausgelöst durch den Tod einer jungen Frau, die ihr Kopftuch angeblich nicht vorschriftsgemäß trug, ließen in mir den dringenden Wunsch wachsen, den Frauen im Iran eine Stimme zu geben. In dieser Zeit stieß ich auf ein Interview mit Aftab Darvishi und entdeckte ihre Musik. Besonders berührte mich, wie sie die Musik ihrer Heimat bewahren und zugleich mit unserer westlichen Musiktradition verbinden möchte.
Als wir mit „Mutter’s Virtuosi“ in Dortmund waren, lernte ich sie persönlich kennen und bat sie, einen Klagegesang für mich zu schreiben. So entstand „Likoo“: ein etwa sechsminütiges Solowerk, das iranische Klangtraditionen mit einer Verneigung vor Bach verbindet. Die quälend langsamen Glissandi werden darin geradezu zu einem Stöhnen des Schmerzes. Wie alle zeitgenössischen Werke hat auch dieses mich als Musikerin viel gelehrt.
Wir haben „Likoo“ im Sommer 2025 aufgenommen. Die dramatischen politischen Ereignisse zu der Zeit haben meinen Zugang zu diesem Werk noch einmal vertieft und ihm eine zusätzliche humanistische Dimension gegeben. Deshalb möchte ich meine Zusammenarbeit mit iranischen Komponistinnen unbedingt fortsetzen. Für 2027 ist bereits ein weiteres Auftragswerk geplant, diesmal für Golfam Khayam, das ich gemeinsam mit Kian Soltani und Muriel Razavi aus der Taufe heben werde.

Sie spielen „Likoo“ von Aftab Darvishi im Kontext mit Violinkonzerten von André Previn und von Mozart. Die Mozart-Violinkonzerte sind ja nun in der Welt der Violinkonzerte ein besonders schöner, konzentrierter Korpus an Musikliteratur. Mozart hat die Geige sehr geliebt, aber wenn man sein Gesamtwerk betrachtet, haben ihr die Klarinette und das Klavier ein bisschen den Rang abgelaufen. Wenn Sie sich in Mozart hineinversetzen, was war seine Beziehung zur Geige?
Die Geige war natürlich von Kindesbeinen an Mozarts Instrument, hat aber durch das viele Konzertieren und Herumreisen vielleicht etwas von ihrem Glanz für ihn verloren. Das soll die Violinkonzerte keineswegs in ihrer Bedeutung schmälern. Im Gegenteil: Ich finde es faszinierend, welche Entwicklung sich zwischen dem ersten und dem fünften Violinkonzert in vermutlich nur einem Jahr vollzieht – vom höfisch-italienisch geprägten Stil mit Ritornell bis zu einer ganz eigenständigen, ungewöhnlichen Kompositionssprache.

Wenn Sie aus Ihrer positiven Grundhaltung heraus in die Zukunft blicken: Wo wird der klassische Musikbetrieb in 20, 30 oder 50 Jahren stehen? Oder ist diese Frage angesichts der Dynamik unserer Zeit ohnehin nicht zu beantworten?
Kunst war immer gerade in Zeiten politischer Krisen etwas, das der Mensch dringend gebraucht hat – nicht nur als Kraftquelle, sondern auch als gemeinsames Erlebnis. Wir sind soziale Wesen, auch wenn wir heute viel Zeit vor unseren Apparaten verbringen. Umso wichtiger wird diese unmittelbare Erfahrung von Kunst im Kollektiv. KI kann uns bei vielem unterstützen, etwa bei der Verarbeitung ungeheurer Mengen an Information. Aber Kunst, und gerade Musik, gibt uns die Möglichkeit, mit unserer Seele in den Dialog zu treten, Gemeinschaft zu erleben und uns daran zu erinnern, zu welcher Kreativität und künstlerischen Kraft wir Menschen fähig sind.
Die Musik wird nicht vergehen, der Musikbetrieb wird sich verändern. Aber ich glaube, die Liebe zu diesem Fenster in eine andere Dimension und die Notwendigkeit, es zu öffnen, werden umso stärker, je zerrissener und unpersönlicher die Welt um uns herum ist.

Sie haben sehr viel Zeit in Wien verbracht über all die Jahre. Was ist denn Ihr Lieblingsort in Wien?
Neben dem Goldenen Saal sind das gewiss die Parks, die Museen. Wien bietet so wahnsinnig viel. Allein auf den Spuren von Beethoven und Mozart zu wandeln, die Nationalbibliothek mit ihren wunderbaren Handschriften zu besuchen: Diese Umarmung der Vergangenheit ist etwas ganz Besonderes. Zugleich geht es darum, diesen Schatz mit Freude, aber auch mit Verantwortung in die Zukunft zu tragen und zu feiern. Ich freue mich, dass sich der Musikverein darum bemüht.